Faut-il aller voir Le Passé ?

La vie de Marie, c’est vraiment chiant. Sa fille fait la gueule tout le temps, son beau-fils est très énervant, son mec s’endort en pleurant parce que que sa femme a bu du détergent. Pour rendre tout plus palpitant, Marie rappelle son ancien amant, qui se ramène en avion d’Iran et se demande ce que c’est que ce bordel.

J’avais décidé de tenir jusqu’en bas, mais en fait ça prend trop de temps. La seule rime qui vaille en terme de cinéphilie, c’est celle-ci :

Asghar Farhadi = Génie.

On le pressentait après le formidable Une séparation, et la suite le confirme : ce type écrit des scénars comme Adjani gagne des Césars et comme César gagne des bagarres. Avec une déconcertante facilité.

Le français n’est pas sa langue, la culture n’est pas la sienne et le pays est foutrement plus froid que la Perse, mais le réalisateur iranien est une machine. Les histoires qu’il déroule sont calibrées comme des thrillers, la violence physique en moins : on reste hypnotisés, le ventre noué et le pouls qui tressaute, devant ses synopsis à tiroirs.

Simple et élégante, la mise en scène se charge surtout d’être efficace et au service du drame. Comme d’habitude, tout le monde à sa raison, personne n’est vraiment méchant et la mécanique s’accélère jusqu’au final, en suspend, qui laisse le spectateur seul juge face au générique.

Au fond du film le réalisateur développe un propos un peu bancal sur la difficulté de faire le bien sans jamais choisir son camp. C’est pas con, mais malheureusement, cette fois, Farhadi en fait trop. Il peine à terminer son film, fait tomber des cascades de rebondissements et finit par fatiguer le spectateur.

Malgré tout, si Hollywood écrivait des scénarios aussi efficaces que les siens, ils pourraient pas mal économiser en hélicoptères, pour un gros surplus de suspens.

En Bref : Il faut aller voir Le Passé. Parce que le terme galvaudé d’intelligence ne s’applique jamais aussi bien qu’aux films d’Asghar Farhadi, parce que la direction des acteurs enfants est soufflante et parce qu’il faut lui faire gagner de l’argent pour financer son prochain thriller, en espérant qu’il soit un peu mieux terminé.

Après, je comprends que Libé ait décidé de lui mettre un gros tarif : quand on se prend pour des dingos de la langue française c’est déstabilisant de voir qu’un Iranien la maîtrise mieux que nous.

Faut-il aller voir Trance ?

C’est l’histoire d’un type qui vole un tableau mais il oublie où il l’a foutu à cause qu’il est con. Après lui avoir arraché les ongles, son équipe l’envoie chez une hypnotiseuse pour lui faire revenir la mémoire. Sauf que c’est Rosario Dawson, et alors plus personne écoute le film.

En plus d’être jolie comme une journée à la plage, Rosario Dawson a une voix grave et envoûtante avec laquelle elle manipule tout le monde. Rapidement, c’est le bordel : James MacAvoy mange des balles, Rosario se rase la plume et Vincent Cassel se promène avec la Corse à l’air. Le chef opérateur filme le sol, les reflets et les ombres en éclairant au néon.

Mais que veulent-ils nous dire, à part que la moitié du budg’ est partie dans l’acide ?

Ils veulent nous dire que c’est le mystère. Que c’est le thriller. Et ils sont diablement contents d’eux. Le scénario s’égare dans des kilomètres de rebondissements de plus en plus complexes et alambiqués, sans que l’on comprenne l’intérêt de certaines digressions. Est-ce du rêve ? Est-ce pas du rêve ? Plus le film avance, plus il nous perd, et moins on en a quelque chose à foutre de savoir où le héros a bien pu planquer cette croûte.

Et pourtant, le scénario « tient la route ». Si on confondait le cinéma avec une forme plus colorée de mathématique appliquée, on pourrait même dire qu’il est bon. Mais ça serait oublier qu’une bonne histoire n’est pas une suite cohérente de connecteurs logiques, c’est d’abord des dialogues, une couleur et des personnages.

Beaucoup de psychologisme ici, mais pas tant d’intelligence. Les personnages sont de simples pions qui s’agitent dans un clip un peu kitsch, filmé de travers et saturé de lieux communs sur la température féminine et la manipulation intelectuelle.

Dommage, parce que ça part bien, c’est bourré d’idées de mise en scène, rythmé et plutôt bien joué. Mais c’est nul. Plat. Écœurant.

Un peu comme un milk-shake. Mais plus cher.

En Bref : Il ne faut pas aller voir Trance. Ce n’est pas un nanard, c’est même un thriller psychologique plutôt bien ficelé et joliment filmé, qui brasse des kilomètres de vide.

Raté, donc. Parce qu’il se la raconte, avec ses retournements moisis, parce que les personnages sont profonds comme des poêles à crêpes et parce que tout cela finit par être aussi moche et con qu’un lundi soir de Trocadéro entouré par des supporters du PSG.

Faut-il aller voir Mud ?

Deux enfants font du bateau. Ils rencontrent un homme louche qui vit dans les bois. Il leur demande de réparer son bateau et son histoire d’amour, mais ça casse tout le temps ces conneries.

L’histoire est complexe. Mais bizarrement, elle reste en toile de fond. L’essentiel ici, c’est d’abord les images, les sensations, les messages. Ces deux petits garçons, l’oeil vif, qui voguent dans leur barque au petit matin. C’est cet homme dont les bottes impriment des traces de croix dans la boue. Et cette fille aux chaussures de corde, qui erre, un peu triste, dans un supermarché vide.

Dés les premières images, le nouveau film de Jeff Nichols à tous les atours d’un chef d’oeuvre. La musique un peu sourde et enveloppante, la beauté des plans et de la lumière, ou les acteurs impeccables, tout est parfait.

Derrière l’esthétique, le fond du propos fourmille de message codés, sans jamais que rien ne nous soit asséné : la vengeance ne mène à rien, l’enfance se perd et l’amour se casse la gueule. Tout est dit avec douceur et intelligence, dans le regard intense d’un gosse, dans le coffre d’un pick-up ou sous la casquette un peu trop vissée d’un père taciturne.

Là où beaucoup de films se repaissent de violence gratuite, de scénarios alambiqués et d’effets clinquants (cf. la prochaine critique à venir), Mud impose une vraie tendresse, une lumière douce et une certaine idée de la lenteur, qui font passer tous les autres films à l’affiche pour des clips débiles.

Malheureusement, le réalisateur lance un peu trop de pistes pour garder le rythme et il ne parvient pas à égaler la magnificence de Shotgun Stories, son premier film. Mais s’il continue sur sa lancée, sa filmographie pourrait rapidement commencer à faire de l’ombre aux géants.

En Bref : Il faut aller voir Mud. Aérien, profond et maîtrisé, le film renoue avec un certain esprit de l’Amérique sauvage. Là où les sentiments sont purs et les pieds plantés dans la terre.

Il faut y aller pour l’innocence, l’espoir et parce que depuis Terrence Malick, personne ne sait mieux filmer le soleil que Jeff Nichols.

Faut-il aller voir Iron Man 3 ?

J’aime beaucoup Shane Black. Derrière son nom de hard-rocker has-been se cache l’inventeur du HVR : le Héros Viril Rigolo. Le HVR ressemble en tout point au héros testostéroné de film hollywoodien, à ceci près qu’il glisse souvent sur des peaux de bananes et qu’il est pas toujours brillant avec les filles.

Coup de bol, le meilleur acteur pour incarner le second degré se trouve être Robert Downey Jr. et il est dans le film !

Cette critique n’aura peut-être pas beaucoup d’intérêt sur le fond (contrairement aux autres, qui culminent pas mal faut dire) parce que je n’ai jamais lu les Comics d’Iron Man et surtout parce que c’est le premier film que je vois dans la trilogie. Autant dire que je suis entré dans la salle pour piquer un roupillon devant une bouse. Ben non.

Iron Man 3, c’est le film le plus cool à voir cette année. Malgré tous les codes imposés du blockbuster très cher, le film réussit à éviter quasiment tout ce qui nous étrangle d’habitude :

Le héros passe plus de temps à réparer son armure qu’à sauver le monde en tirant dans tous les sens, le manichéisme habituel est mis à mal, avec un retournement surprenant et une moquerie appuyée du héros à l’américaine qui joue la police au Moyen-orient. Quant à la fille, pour une fois, elle est chouette et faut pas trop lui tirer les cheveux.

Au-delà de ça, le héros est plein de fragilités, de doutes, il fait des vannes de mauvais goût, il se moque des enfants et il est très amoureux. Parce qu’au fond, c’est l’histoire d’Iron Man : un type pas très sympathique et un peu barré qui tente de faire marcher son histoire d’amour en dépensant des millions de dollars.

Bien-sûr, il faut nous infliger des scènes d’action un peu longuettes, de l’héroïsme moisi et quelques clichés misogynes (mais moins que d’habitude). Pas grave. A ce niveau là d’hollywoodisme, ce blockbuster massif fait figure d’exemple absolu du mélange entre les dollars et le talent.

C’est surtout un condensé de plaisir coupable que vous devez voir si vous avez été jeune quelque part dans les années 90.

En Bref : Il faut allez voir Iron Man 3. Parce que c’est drôle, pas con, très bien fait et interprété par une machine de guerre. Outre Robert, il faut aussi y aller pour le charme de Gwyneth, la méchanté de Guy Pearce et l’air hagard de Ben Kinglsey.

Après, il vous faudra tolérer tout le reste : les super-héros illustreront toujours la vision américaine, réac et violente de gros cons qui tentent de faire justice eux-même. Mais au moins, celui-là cherche pas à être gentil.

Et ça le rend vrai.

Faut-il aller voir L’écume des jours ?

Comme vous, j’avais peur. Aucune envie d’aller voir Gondry piétiner mon imagination avec ses petites constructions astucieuses. J’aime trop le bouquin et la façon dont je l’ai rêvé, pour qu’on redessine par-dessus.

Comme vous, j’avais des haut-le-cœur devant le casting bankable. Jamais pu blairer la morgue de Duris, la gouaille de Tautou, la pâleur d’Elmaleh qui s’affadit un peu plus à chaque film et le seul fait de penser à Charlotte le Bon me donne envie d’aller chez le coiffeur me faire un tie and dye.

Un autre truc, sur lequel j’insiste, parce que c’est important pour le métier d’acteur : Duris et Tautou ne savent pas bien prononcer les phrases. Déjà c’est moche, en plus tu te demandes pourquoi à la place ils ont pas fait un autre métier, genre équarrisseur, et surtout, il y a certains dialogues que tu piges pas.

Alors à quoi bon louer des grues pour faire Hollywood quand t’es pas foutu de régler un problème d’élocution ? Passons.

Les premières minutes sont insupportables. Gondry est en roue libre, il fait n’importe quoi. Illustrant la prose du bouquin par ses petits montages habituels : de l’image par image saccadée, des accélérations plutôt laides, des membres agrandis et une absence assez flagrante de sensibilité.

On reste uniquement parce qu’on a payé. Et le film continue de gesticuler, en arrachant les pages du livre de Vian comme un ado sadique. On rigole une fois ou deux, mais on souffre tout de même beaucoup tant il n’y a rien de merveilleux dans cet étalage de poésie sans âme.

Et puis l’histoire sombre, devient déchirante, et malgré son faux-air enfantin, Michel Gondry se révèle bien plus habile dans la cruauté et la noirceur. L’image perd des couleurs, les acteurs deviennent justes et enfin, on est ému. Le film prend son envol un peu tard, mais on oublierait presque le début hasardeux.

Pourtant, quelques jours après, l’impression reste la même : Gondry n’a pas rendu Vian meilleur. L’inverse, peut-être…

En Bref : Il ne faut pas aller voir L’Ecume des jours. Ou alors, il faut tenter d’oublier le livre mythique qui nous a fait rire et pleurer. Michel Gondry en livre une adaptation assez plate, mais suffisamment fidèle pour en restituer quelques beaux passages.

Dommage. Et en même temps, on ne pouvait s’attendre à rien d’autre : comme si la poésie perdait toute saveur à partir du moment où elle s’incarnait.

Faut que je vous laisse, je vais faire de l’escalade avec mes collocs. C’est des sacrés sportifs.

Faut-il aller voir Le temps de l’aventure ?

C’est un anglais qui déprime à l’enterrement d’une ancienne passion amoureuse. Il rencontre Emmanuelle Devos et ils vont baiser dans un hôtel.

Ach. Emmanuelle.

Comme je suis sûr que tu lis le blog, je voudrais te faire une confession : dans la vie, j’ai dit des choses méchantes sur toi. Comme quoi elle m’énervait ta petite voix, que tu jouais faux parfois et j’ai même boycotté des films parce que t’étais dedans. J’ai fait ça.

Et j’suis pas fier tu sais. J’avais tout faux. Parce que dans ce petit film français tout classique, tu rayonnes sur les images. Parce qu’il a suffit d’une scène de casting, jouée deux fois, pour que tu te révèles tour à tour drôle, touchante et incroyablement juste. Et tu as continué comme ça pendant tout le film.

Il faut dire que tu avais des dialogues bien écrits à réciter et il faut reconnaître que le réalisateur les a inventés pour toi. Surtout, il faut aussi rappeler qu’il est du genre qui aime les longs plans-séquences, de ceux qui laissent les scènes s’épanouir et les acteurs avec.

Mais malgré la prestance internationale de ton partenaire, c’est toi Emmanuelle, qui colore ce film. Et même si ton personnage m’a un peu cassé les couilles vers la fin, à cause qu’il nous énerve à toujours rater son train, je t’ai trouvée attachante et vraie comme la vraie vie, où on rate son train aussi parfois.

Et c’est ça ton histoire, un truc simple, classique et pourtant universel. Ton copain réalisateur filme l’amour sans chercher à nous dire des trucs, avec grâce et originalité et tout cela regorge de jolis moments. Et contrairement à ce que suggère l’image au dessus, où tu folâtres avec Gaby sur le Pont des arts, ton film est loin d’être con, loin d’être fleur bleue.

Et même, c’est beau parfois, quand vous allez faire des roulades dans l’hôtel. Parce qu’on y croit, parce que le réalisateur vous filme avec pudeur et sensualité ; et parce que t’es jolie, Emmanuelle, même si t’as un peu une tête bizarre.

Promis, j’irai voir ton prochain film.

En Bref : Il faut aller voir Le temps de l’aventure. Même si ça traîne un peu, même si c’est pas le scénario de l’année et même si vous avez un a priori négatif sur Emmanuelle Devos.

Derrière son faux air innocent et convenu, le film de Jérôme Bonnel est un carré de chocolat, plein de tendresse, de cruauté, de drôlerie et d’intelligence. Du genre qu’on aimerait voir plus souvent dans le cinéma français.

Faut-il aller voir Promised Land ?

Plutôt mourir ! C’était ma réponse avant d’y aller. La critique est moyenne, le sujet mineur (et minier) et Gus Van Sant nous a habitué à rien, donc on ne sait pas. Et puis bon, après tout, j’ai toujours rêvé des tracteurs.

C’est l’histoire de Matt Damon qui fait le tour des villages américains pour faire des trous dans leurs jardins. Il cherche du gaz, et les gens cherchent du fric. Tout va bien. Mais quand ils se mettent à chercher la vérité, ils se rendent compte que les forages font rentrer du gaz dans l’eau. Et alors, il y a de l’eau dans le gaz.

Bon.

C’est héroïque, ou suicidaire, de s’intéresser à un sujet comme le gaz de schiste. Et pourtant, mon copain Raoul, qui travaille à Reuters, vous dira que c’est très important. Derrière la promesse illusoire d’indépendance énergétique, se déroule un grand massacre écologique.

De manière plus générale, voir-même philosophique (mais tranquilou hein, j’ai compris), le film parle de la fin des paysans et de la destruction des terres arables dans le monde occidental. Ce qui est intéressant sur le papier, et chiant sur pellicule.

Voilà, je pense que vous êtes tous partis du blog pour aller fumer des clopes au clou du girofle à la fenêtre. C’est vachement dur de faire des blagues sur le gaz de schiste, à moins de tomber dans le vulgaire bilingue, si vous voyez ce que je veux dire.

MAIS

Contre toute attente, Promised Land est bien meilleur que sa fausse allure de docu social relou. D’abord, parce que le film prend le pari de raconter l’histoire du point de vue des méchants, sans jamais jouer la caricature manichéenne. Et surtout, parce que les dialogues sont admirablement bien écrits.

Bien interprétée, sobrement filmée, sans être austère, cette histoire tient la route jusqu’aux deux scènes finales. Malheureusement, ces dernières sont copieusement niquées par une révélation un peu moisie et un optimisme gaga qui rompt avec la finesse du reste.

Mais m’avoir intéressé 1h30 en me parlant de gaz naturel, ça mérite déjà le Golden Globe.

En Bref : Il faut aller voir Promised Land. C’est un bon film, bien joué, très bien fait et assis sur un scénario en béton. Sur le fond, le film parvient à rendre d’une réalité poignante et actuelle tout en étant beaucoup moins casse-couille, et beaucoup plus concis, que la phrase que vous êtes en train de lire.

Après, je ne suis pas naïf, je sais bien que si jamais vous arrivez au bout de cette critique, vous irez quand même voir Iron Man 3 à la place.

C’est moche. Mais pas autant que le nouvel album de Phoenix. Triste époque.

Faut-il aller voir Perfect Mothers ?

C’est l’histoire de deux milfs, qui échangent leurs fils pour en faire des amants.

Wouaaalalala ne fuyez pas ! Pas si vite ! Je sais ce que vous ressentez : encore un film chelou, qui va mélanger les moments gênants, le sexe tristoune, la morale pesante et le psychologisme à deux balles. Encore une réflexion à l’autrichienne dont on va sortir tellement déprimés qu’il ne nous restera plus qu’à se faire un KFC en surfant sur copainsdavant.

Minute.

D’abord, c’est un juste retour des choses. Dans beaucoup d’histoires et tout le long des Champs-Elysées, y’a toujours un croulant qui se tape une minette, et tout le monde trouve ça normal, sous prétexte que c’est un peu la nature, ce genre de conneries. En gros, on nous serine, avec les sourcils scientifiques, que les filles s’attachent moins au physique, que l’homme atteint son potentiel de charme à 40 ans et la femme à 18, et tout un tas de lieux communs bien pourraves qu’on a dû lire dans Elle ou autre précis de soumission à l’usage des femmes.

A ceci, mesdames, je répondrai : Mes couilles ! Même si une partie des hommes (les moins assurés, à mon avis) ne trippe que sur la jouvencelle incapable de les comparer, l’inégalité sexuelle devant l’âge est un mythe vendu par la pub et les marchands de crème anti-âge. Et George Clooney, il bande mou.

Rharf ! Ça faisait longtemps que je voulais écrire ça quelque part !

Alors bon. L’amour, j’vais vous dire, c’est joli, mais c’est violent, pis c’est compliqué. Et une fois qu’on a dit ça. On peut plus dire grand chose sans dire des conneries. Bénie soit-elle, Anne Fontaine ne se risque pas à distinguer le pourquoi du comment, le mal du bien et la morale de l’histoire. Elle raconte.

Et quoi qu’on en pense, ces deux histoires d’amour sont belles. Cruelles aussi. Mais la réalisatrice les raconte sans juger ses personnages, ni les condamner, ni leur offrir de chemin facile pour s’en sortir. Pour les faire ressentir, elle ne tire pas à la ligne, comme souvent dans le film français : elle utilise le cinéma. De mémoire de poisson rouge, il y a un moment qu’on avait pas vu autant de sensualité sur grand écran.

L’été infini. Cette ambiance pleine de soleil, de sel et de peaux nues, qui donne envie à n’importe quel séminariste de baiser des tiroirs. Tout cela est tellement bien filmé par le chef opérateur que l’on quitte la salle plus bronzé qu’à l’entrée. Surtout, cette atmosphère permet d’alléger la pesanteur du sujet, sans pour autant noyer les questions qu’il pose.

Et puis voilà. La réalisatrice nous laisse là, dans un joli traveling. Sans se mouiller peut-être, mais en laissant, sans se bercer d’illusions, une chance à l’hédonisme des héros de profiter d’un dernier rayon de soleil.

En Bref : Il faut aller voir Perfect Mothers. Parce qu’il y a longtemps qu’on avait pas aussi bien filmé le sable et le désir. Parce que le film vous hantera longtemps après le générique. Et parce que les acteurs sont toujours justes (et jolis à regarder).

Tellement ensoleillé, que j’en oublierais presque certaines longueurs dans le scénar, quelques scènes caricaturales et des seconds rôles inégaux.

M’en fous. Il fait beau.

Faut-il aller voir Oblivion ?

Tout les matins, Tom Cruise fait un bisou à sa meuf et il se lève pour parcourir ce qu’il reste de la terre après l’apocalypse. Il répare les drones, il boit de l’eau et il latte des extra-terrestres. C’est la routine.

Un jour, une Russe arrive. Et il faut reconnaître qu’elle est gaulée. Que faire ?

On ne retiendra pas Oblivion. Mais ça ne sera pas à cause de son aspect visuel. Loin des films de catastrophes classiques, celui-ci n’est pas moche. Pour une fois, la terre est plus belle quand elle est cassée : on survole des étendues vides et désolées où la nature a repris ses droits sur les buildings. C’est stylé.

Tom Cruise aussi est stylé. Si on parvient à oublier à quel point c’est un con, on doit lui reconnaître un vrai talent pour incarner les mecs qui pilotent des trucs volants. Le soir, il rentre dans une maison stylée en haut d’un pylône stylé et il déglingue une rousse plutôt stylée dans une piscine panoramique. C’est cool.

Mais une BD sans bulles, ça finit par devenir relou, alors il faut bien écrire un scénar. Arrive la Russe, les révélations, les retournements de situation et tout le tarif qu’on est censé se payer lorsqu’on va voir un film de SF.

Contrairement à ce que suggère le paragraphe supérieur, c’est pas si mal. A l’échelle du reste de la prod US, c’est même presque intelligent. Les personnages sont aussi profonds que des paquets de chips, tout est prévisible et, comme d’hab, le seul motif des méchants est la méchanceté mais l’univers est bien campé et on se laisserait presque porter.

Presque, parce qu’en fait non.

La fin est un peu bête, les personnages féminins sont des caricatures en moon boots et tout cela est tout de même trop lisse pour nous secouer vraiment. Mais il faut reconnaître qu’on a eu quelques haut-le-coeur.

En Bref : Il ne faut pas aller voir Oblivion. Il faut plutôt s’ouvrir une bonne bière blanche et glander au soleil en mangeant des Twinuts avec un bon livre dans les pattes (si, par exemple, on est un loup).

Mais dans le cas où l’on ressent l’envie d’aller voir un film de SF pas trop mal avec un scénario moins débile que la moyenne, quelques jolis plans et un acteur scientologue, le film tombe à pic.

A moins bien-sûr que l’on soit une taupe. Dans ce cas-là on est aveugle, et on creuse des tunnels. C’est la vie.

Faut-il aller voir The Grandmaster ?

Ip Man est un beau-gosse du Wing Chun. Sa vie est une longue suite de coups de lattes stylés sous la pluie où il ne perd ni ses combats, ni son chapeau. Lors d’un tournoi de Kung-fu, il affronte les maîtres du Baji, du Guam-guam et du Ping-pong avant de rencontrer Gong Er qui est la championne du Ba Gua et du Tai Chi. Séduit, il décide de la pécho en utilisant la technique du Gong Zen, très prisée des adolescent timides, parce qu’elle consiste à rien foutre.

Si vous êtes fan de Kung-fu, quittez ce blog avec tous mes respects (surtout si vous êtes sixième Dan). Pour les autres, il est temps de s’accorder sur cette vérité bien triste : non seulement personne ne comprend rien aux différentes nuances d’arts martiaux, mais en plus tout le monde s’en branle. On est là pour les « crac », les « plonk », les « boum » et les mecs qui marchent sur les murs.

Mais Wong Kar-Wai est plutôt branché par les « plop », les « ffffhhhh » et le silence. C’est chiant. On a surtout l’impression qu’il passe le film à réécrire son scénario (ce qu’il fait, généralement) en hésitant entre la fresque historique, le film de combat et l’histoire d’amour violonisante. Bon.

Après tout, au départ In the mood for love était censé être un film sur l’influence de l’autocuiseur dans les relations amoureuses. Sauf que cette fois, le mélange ne prend jamais. Wong nous saoule avec les subtilités du kung-fu, détaillant la danse du kangourou, la sagesse du crocodile et le baiser mortel du dragon pendant qu’on s’emmerde en regardant ma Rolex (on était à Boulogne).

Censé faire le portrait du maître de Bruce Lee, The Grandmaster ne nous apprend strictement rien. Le mec a un chapeau. C’est dans le premier plan, mais à la fin du générique, on en sait guère plus sur lui. Le reste du temps, on se tape des histoires parallèles alambiquées, aux enjeux un peu flous et à l’intérêt inégal. Zhang Ziyi traîne avec un moustachu et un singe en faisant la gueule pendant qu’un type appelé « La lame » égorge un coiffeur sans que l’on comprenne vraiment pourquoi.

Au côté de ce scénario qui boîte, on pouvait attendre de Kar-Wai qu’il livre une belle image, des combats singuliers et des couleurs incroyables. Et en fait, bof. Les bagarres sont bien réalisées, sans casser trois pattes à un tigre, mais ne surprennent jamais. Elles arrivent avec la rigueur métronomique des pipes dans un porno, sans receler beaucoup plus d’intérêt.

Quant à l’image, elle se la raconte et souffre d’un gros délire de post-prod : au lieu de faire des jolis cadres, Kar-wai recouvre son film d’effets dégoulinants. Et un quart des plans sont retravaillés avec l’effet Strobe que j’utilisais déjà sur la DV-cam de mon beau-frère Philippe pour faire film d’horreur. Mais c’était en 1998.

Au Pathé de Boulogne, la direction s’est chargée de prévenir les spectateurs à l’entrée de la salle : « Si l’image est moche, c’est une volonté artistique » clame peu ou prou un message collé sur la porte. J’y aurais rajouté une ligne :  « si le scénario est con, c’est une volonté commerciale ».

En Bref : Il ne faut pas aller voir The Grandmaster. C’est décousu, pas très beau, assez chiant et complètement vain. Même le grand tableau de l’histoire chinoise qui aurait pu être intéressant ne sert que de fond vert pour y incruster des galipettes stériles.

Stérile, comme l’histoire d’amour centrale, qui rappellerait presque l’excellent In the mood for love sans les combats. Mais à l’époque, Wong Kar-Wai avait encore le bon goût d’être fauché. Misère…