La tête haute. Jeune et folie.

LA TÊTE HAUTE  de Emmanielle Bercot LES FILMS DU KIOSQUE

Faut-il aller voir La tête haute ?

Depuis qu’il sait marcher, Malony marche de travers. Dans les jouets des autres, dans les joints de sa mère, dans la gueule des éducateurs, dans les voitures volées et dans le tribunal de Dunkerque. A 15 ans, Malony ne connait pas ses profs, mais la juge l’appelle par son prénom.

Est-ce qu’on est foutu à 15 ans ? Est-ce qu’on peut vivre heureux loin de la mère ? Faut-il faire des enfants quand on porte un bracelet électronique ? Et c’est la faute à qui, s’ils deviennent dingues ?

La tête haute n’a pas de réponse. La réalisatrice, Emmanuelle Bercot nous épargne les théories sur l’éducation, la repentance et le système de répression infantile. Son film n’a pas de thèse, mais il pose pas mal de questions. A commencer par celle-là : que se passe-t-il quand les adultes ont peur d’un enfant ?

Il y a ceux qui laissent tomber et une poignée de héros imparfaits qui ne baissent pas les bras. A travers le parcours chaotique de Malony, Bercot raconte aussi le combat des juges, éducateurs, directeurs de centre qui n’en finissent plus de lui donner une dernière chance. Leur portrait est troublant.

Le reste est éreintant. Explosif, le film laisse le spectateur à plat. Malony, petite terreur fragile, ressemble à un pain de C4 en zone tropicale : instable au point de faire sursauter le caméraman, imprévisible, impitoyable et impulsif au dernier degré, Rod Paradot est aussi hypnotisant qu’inoubliable.

Oui ça fait beaucoup d’adjectifs.

La prouesse du film, c’est de ne rien pardonner à son personnage principal, sans pour autant le condamner. Il ne s’agit pas de sauver Malony, ni de l’accabler, juste de dresser le portrait d’une bête en cage, qui se jettent contre les barreaux jusqu’à l’épuisement. Et derrière la rage, il y a ce petit garçon apeuré, qui refuse de croire qu’il a une chance et dont la vie est une suite de convocations dans des bureaux.

La matière brute est tellement percutante qu’on oublie un peu le reste : quelques longueurs, des répétitions, un propos un peu diffus et un plan final vraiment très moche. Et pourtant il y’a beaucoup de beauté à Dunkerque, n’en déplaise à Catherine Deneuve.

En Bref : Il faut aller voir La tête haute. C’est Mommy sans le bullshit, sans les gimmicks pop, l’esthétique de pub et la complainte tire-larme. C’est à l’os, puissant, soufflant. Et lorsque le petit frère demande à son ainé si “la juge est d’accord pour qu’on vole des voitures ?” l’intensité dramatique culmine à des hauteurs où l’oxygène se fait rare.

Dans un salon cannois, Maïwenn a regretté que les femmes manquent de testostérone pour être réalisatrices. Bon. Je ne connais pas l’état hormonal d’Emmanuelle Bercot. Mais je crois qu’elle vient de me casser la gueule.

Whiplash. Saxo-masochisme.

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Faut-il aller voir Whiplash ?

Dans un sous-sol de Manhattan, Andrew et ses potes pratiquent la souffrance et la soumission en groupe. En guise d’accessoires, ils n’ont que des instruments. En maître de cérémonie, un professeur sadique. Et comme devise, ces quelques mots : “Si je suis mauvais, je finirai dans un groupe de rock”.

Le jazz est un monde à part. Un monde qui sent le cuir, l’alcool et le tabac froid. Un monde qu’on aimerait aimer s’il ne nous détestais pas à ce point. Mais si on ne comprend jamais la mélodie du solo, si on est infoutu de taper du pied en rythme et si on entend jamais le pianiste, c’est parce que le jazz nous parle. Que nous dit-il ?

“Tu n’as pas le niveau. Connard.”

En substance, c’est ce que le héros de ce film masochiste se prend dans la gueule pendant une heure, ça et une chaise en plastique enrobée dans une montagne d’insultes fleuries. Jeune batteur ambitieux, Andrew se fait écraser par son prof, jusqu’à devenir complètement cymbale.

Mais pourquoi tant de haine ? Pour la pédagogie. Ou plus précisément, pour donner une chance de naître au génie qui sommeille peut-être en chaque élève. Et le prof pousse ses ouailles dans le vide pour voir s’il y’en a un qui vole. S’il vole, c’est Charlie Parker. Tant pis si les autres s’écrasent, tant pis si les mômes se pendent. On ne fait pas d’omelette sans briser des vies.

Largement doltoïsé, la pédagogie moderne consiste à dérouler un tapis rouge devant chaque môme pour réveiller ses instincts tyranniques, au risque de produire une génération de petits cons. A contre-courant, immoral et largement discutable, le film raconte l’inverse, en partant du principe que le génie procède de la souffrance. Ça s’entend.

Mais Whiplash n’est ni un plaidoyer, ni un support de thèse, c’est d’abord un formidable huis-clos en conservatoire. Ultra-violent, à l’os et tendu comme une caisse-claire : c’est surtout un film formidable qui prend aux tripes et secoue ton siège. L’un des meilleurs de l’année, à quelques jours près.

En Bref : Il faut aller voir Whiplash. Pas besoin d’aimer le jazz, l’école ou la batterie. Le réalisateur n’est pas là pour parler musique, mais pour raconter un duel sans merci. Filmé comme un thriller, le concert central est un règlement de compte où chaque note est un crochet et chaque solo un combat.

Inutile de rajouter que tout cela est formidablement bien interprété, monté en cadence et musicalement irréprochable. A côté de tout ce talent, on regrette juste que l’image soit si plate.

Surtout, je regrette que mes profs ne m’aient pas torturé un peu plus. A tous les coups, s’ils m’avaient mis la pression, peut-être que moi aussi je réaliserais des films.

71′. Belfast and furious.

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Faut-il aller voir 71′ ?

C’est l’histoire de Gary. Salut Gary ! Un jour Gary arrivait en Irlande et Wow crack Piouuuu Prrrrr Tatatatatata Pow Pow Aaaaah BOUM !

Fiou !

Il s’est caché Gary. C’est n’importe quoi l’Irlande. Tout le monde tire dans tous les sens sur tout le monde tout le temps. Les soldats tuent les mecs de l’IRA, les mecs de l’IRA tuent d’autres mecs de l’IRA avec l’aide de soldats déguisés en flics qui tuent les britanniques par erreur et qui sauvent des soldats avant de tuer d’autres soldats.

Si Ken Loach avait adapté Super Smash Bros dans l’Ulster, il aurait fait un truc comme ça. Le bordel, la poudre et la sueur. Un spectacle horrible et fascinant. D’abord parce qu’on a toujours un peu de mal à accepter qu’il y a eu une guerre civile ultra-violente à trois heures d’avion dans les années 70. Et aussi, parce que le réalisateur nous plonge dedans comme un poisson dans l’huile.

On dérouille.

Certes, les premières minutes font semblant de s’intéresser à la psychologie du personnage principal, mais c’est pour te laisser le temps de trouver une bonne position sur ton siège. Et puis ça commence. Les femmes frappent le sol avec des couvercles de poubelle, la peur se lit sur tous les visages et les hommes sont à bout, bouillants.

Comme promis, rien ne se passe comme prévu. Gary court dans tous les sens, la caméra le suit, nous aussi et à la fin de la première scène on a l’impression d’être aussi essoufflés que lui. Et puis quoi ? Et puis la même chose. La même chose pendant une heure et demie.

Au départ on reste accroché. Il y a un petit garçon pas très crédible mais mignon. Des méchants trop mignons pour être crédibles, mais ça va. Boum. Une jolie explosion plutôt bien faite. Et ça continue. Le héros qui court, les rues qui défilent, les méchants qui le filent. Bon…

Lorsque le pauvre Gary se retrouve mis en joue pour la 15ème fois, on nous fait toujours le coup ultra-ringard du méchant de James Bond : tir dans le mur (qu’est-ce qu’ils visent mal les mec de l’IRA !), pistolet enrayé assez longtemps pour laisser le héros s’enfuir, petit discours pré-mortem pour permettre à la cavalerie d’arriver… Et il faut reconnaître qu’on a déjà vu tout cela deux mille fois, pas forcément en mieux, mais au moins en aussi mauvais.

Et c’est un peu le problème du réal : même si t’es balèze pour tourner les scènes d’action, tu ne peux pas tenir une heure et demi juste avec des mecs qui courent dans la rue, et une demi-discussion tous les kilomètres (“Tu viens d’où ? Derby. Ah ouais je connais. Oh vite les méchants, allez on s’enfuit !”). Bien-sûr, le scénario tente aussi de nous délivrer la complexité de la guerre et de la paranoïa collective, mais on n’a pas le temps de les voir, Gary s’est remis à courir.

A la fin, on y croit plus trop, ou alors on s’en fout : le héros a tellement failli crever qu’on a bien compris qu’il était increvable. Nous par contre, on est un peu fatigués.

En Bref : Il ne faut pas aller voir 71′. C’est bien fait, immersif, et trempé dans un sujet passionnant. Mais le réalisateur se fout pas mal du contexte, il préfère faire péter des murs et courir après Gary.

Et pourtant, comme disait mon amie Nyv, le film peut être vu comme une métaphore de la vie. Surtout si tu considères que la vie se résume à détaler dans des couloirs, poursuivi par des moustachus surarmés qui veulent ton scalp, alors qu’en fait t’as rien fait.

Alors je suis d’accord. La vie c’est ça. Surtout le lundi.

The Tribe. Mutin, mutine.

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Faut-il aller voir The Tribe ?

Dans les pensionnats ukrainiens, l’omerta règne en maître. Et dans les pensionnats de sourds-muets ukrainiens, c’est encore pire. Ici tous les élèves semblent avoir pris la violence comme première langue et le sexe comme épreuve physique. Il y a le vol aussi, en option principale. Et le proxénétisme, mais seulement pour les bosseurs.

Mais peut-être que j’ai confondu : dans The Tribe, on ne comprend rien. Les personnages parlent avec leurs mains. Tous sourds-muets, les acteurs ne s’expriment qu’en langage des signes, mais le réalisateur a décidé de ne rien sous-titrer. La prochaine fois, il tournera le film en elfique et il filmera sans ouvrir le clapet de sa caméra. De toute façon l’art c’est pour les bourgeois.

Mais y’a-t-il quelque chose, derrière ce procédé un peu con ?

Oui. Il y a le cinéma. Du sacré cinéma même. Dans sa première moitié, le film est explosif, fourmillant d’idées, d’originalité et d’énergie. Tout est tourné en plan-séquence, chorégraphié au cordeau et joliment filmé par une steadycam très agile. Puissant, percutant, excellent.

L’histoire est celle, très classique, de la violence et de la jeunesse, le silence en plus. On pense au Kubrick d’Orange Mécanique, aux dortoirs de Full Metal Jacket et à notre propre adolescence, pour peu qu’on ait déjà été roux et malingre dans un dortoir masculin.

Une heure passe, brillante. Et les plans-séquences continuent de s’enchaîner. Il y en a 23. Mais au bout du dixième, on comprend qu’il n’y aura que ça. Du même coup, ils perdent beaucoup de leur intérêt et de leur fraîcheur. Parce que le réalisateur est un mec qui aime les procédés, au risque d’oublier le reste. Dans The Tribe, la forme n’est pas au service du fond. La forme est au service d’elle-même.

Des plans-séquences donc, parce que c’est cool. Et du sexe, cool. Et énormément de violence, parce que c’est joli. Peut-être même qu’on aime un peu ça, les jeunes adolescentes qui montent dans les camions, les crânes fendus et l’humiliation des faibles. Finalement on s’était trompé. On n’est pas chez Kubrick mais plutôt chez les imbéciles de Kourtrajmé, le talent en plus.

On est chez la force brute, celle qui ne sert à rien. Hulk avec sa gueule toute verte, qui tape sur des briques pour casser des briques. On est chez les fachos. Avec des cheveux longs, des petites lunettes, pas de bottes de cuir, mais un goût douteux pour le sombre et le dégueulasse.

Et on est pas bien.

En Bref : Il faut aller voir The Tribe. COMMENT ? Mais tu viens de dire que… Ben oui mon lapin mais c’est quand même du putain de cinoche. Parce qu’en tant qu’exercice de style, ce premier film ukrainien est impressionnant de force et de maîtrise. Techniquement, c’est excellent et hyper original. Et mettre des baffes comme ça, ce n’est pas donné à n’importe quel provocateur avec une caméra.

Malgré tout, The Tribe n’est pas un bon film. C’est un film mauvais. Parce que le fond est aussi sordide que la forme est brillante. Parce que le réalisateur se croit même obligé de vomir sur l’histoire d’amour, seule étincelle d’espoir dans ce film glacial.

Ensuite c’est à vous de voir ce que vous allez chercher au cinéma…

Ugly. Ordures et ménagères.

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Faut-il aller voir Ugly ?

Salut c’est le Règne de l’Arbitraire ! Tu sais, le blog qui publiait une fois par semaine dans les années 90 ? Et ben je reviens, pour un dernier tour de piste avant d’aller vivre en banlieue avec Hélène et les garçons et le créateur des sweats Waïkiki et les mini-keums, oh-oh !

Respire.

Le film n’étant plus à l’affiche, rien ne sert de courir. Mais puisque vous ne l’avez sûrement pas vu, il est tout de même important de savoir ce que vous avez raté.

C’est l’histoire des enculés. On y apprend qu’ils sont nombreux, protéiformes, omniprésents et vraiment dégueulasses. Noir jusqu’aux racines de la moustache, Ugly nous plonge dans un monde où les mamans biberonnent, les amis trahissent et les amantes michetonnent sur des pavés qui glissent. Guère mieux que les autres, les pères se perdent, les flics filoutent et les pédophiles filent. C’est très compliqué.

Moins que Gangs of Wasseypur quand même. Le précédent film du réalisateur avait beau raconter les gangs indiens avec élégance, il était quand même dominé par l’ennui et la confusion. Ugly n’échappe pas à l’intrigue un peu complexe, et on finit par en avoir un peu marre de trouver des tiroirs dans les tiroirs.

Mais on s’en fout un peu. Le premier but du film, c’est de frapper fort, avec la pointe du pied, en visant les couilles. Et ça fait super mal. Parce qu’il y a un truc fondamentalement affreux dans le fond de cette histoire, mais surtout parce que la mise en scène nous pète les genoux d’entrée de jeu : une femme blafarde, un verre vide… BAM du Death Metal.

Saturé d’idées, de style et d’audace, le film prouve ce qu’on commençait à voir venir de l’Est : lorsque Bollywood arrête de danser, il ne reste pas que de la poussière en suspension, mais le potentiel pour faire un putain de cinéma.

Sur cette métaphore graisseuse, je vous salue bien bas et je vais m’enfoncer la tête dans le mur.

En Bref : Il faut aller voir Ugly. Enfin, il aurait fallu le voir il y a trois semaines, avant qu’il quitte les salles pour toujours. Parce que c’est puissant, barré et signé par un réalisateur debout sur son tabouret.

Bien-sûr, vous ne sortirez pas du film en dansant la carmagnole. Mais peut-on vraiment être heureux, dans un monde ou l’Allemagne gagne au Brésil ?

Les poings contre les murs. Papa est en voyage de fer.

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Faut-il aller voir Les poings contre les murs ?

Eric est un meurtrier socioopathe, ultra-violent et complètement barge. A tel point qu’il quitte rapidement la deuxième division de la prison pour mineurs et se retrouve chez les vrais cramés, dans un quartier de haute-sécurité. Heureusement, il peut enfin y retrouver son père, un meurtrier sociopathe, ultra-violent et complètement barge.

Si Sigmund Freud avait été scénariste, il n’aurait sans doute pas écrit ce film. Mais il l’aurait probablement trouvé “Sehr sehr interessant !” Sans déborder de finesse dans son analyse, le film tente de réfléchir sur l’héritage de la violence, les relations père-fils et le coup de la savonnette. C’est pas idiot. Certainement moins que la deuxième saison de Prison Break en tout cas.

Mais ce n’est pas le coeur du film. Et d’ailleurs, on se demande s’il en a un. Car l’histoire est glaciale comme une nuit avec Michèle Alliot-Marie. On avait quitté David MacKenzie en pleine love-story apocalyptique, c’était joli, croquinou, un poil trop cheesy même. Entre temps, David a dû se faire larguer.

Dés les premières minutes, Les poings contre les murs est bestial. Complètement siphonné, le héros est tellement violent qu’on sursaute quand il cligne de l’oeil, terrorisés à l’idée qu’il puisse sortir de l’écran pour nous déglinguer. C’est peut-être ça, le coeur du film : la violence.

Hypnotisant, le jeune acteur déploie une énergie tellement folle que tout le casting en résonne. En sa présence, chaque discussion vire au carnage, chaque manche cache un couteau et chaque sourire peut mordre à tout moment. Cette tension de tout instant, d’une noirceur effrayante, justifie à elle-seule d’aller voir le film.

Mais au-delà de cet uppercut abdominal, il semblerait que le scénariste n’ait pas grand chose d’autre à nous dire. Ça tombe bien, on n’entend plus rien.

En bref : Il faut aller voir Les poings contre les murs, malgré la traduction minable de son titre. Il ne faut pas y aller pour la justesse de ses dialogues, l’inventivité de sa mise en scène ou la profondeur de son scénario, il faut y aller pour en prendre plein la gueule.

Comme une version hardcore carcérale de La Zizanie, où les romains auraient des tatouages, le crâne rasé et une forte envie de mordre Astérix dans les sesterces.

La vie d’Adèle. Lesbien raisonnable ?

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Faut-il aller voir La vie d’Adèle. Chapitre un et deux ?

Commençons tout de suite par évacuer le buzz : les méthodes d’Abdellatif, les rancoeurs de Léa et l’amertume de Julie, c’est intéressant mais quand je suis assis dans mon siège rouge ça m’en touche une sans faire bouger l’autre. La lumière éteinte, il n’y a que le film qui compte.

Il commence pas terrible.

Adèle promène son air ahuri dans un lycée qui s’ennuie. Kechiche filme son visage, puis ses yeux, ses lèvres. Adèle mange des pâtes. Adèle s’emmerde. Adèle mange un kebab. Adèle fait l’amour. Et comme tous les ados, Adèle se demande ce qu’elle fout là. Nous aussi.

Obsédé par les plans serrés, le réalisme de chaque scène et la nourriture, Kechiche commence par étouffer le spectateur. On regarde. Un peu agressés de passer notre temps dans les narines d’Adèle, mais on reste parce que tout le monde joue plutôt juste, et parce que merde, c’est la Palme d’Or.

Et puis Adèle tombe amoureuse. Et on la comprend : face à elle, pour la première fois de sa vie, Léa Seydoux joue bien. Loin des rôles de femme fatale qui ne lui vont jamais, la couverture de magazine interprète une séductrice avide et bien née. Probablement bien plus proche d’elle que les filles du peuple libérées qu’elle campe habituellement, le rôle la transcende.

Passe une scène de sexe interminable et un peu moche. Bon. Papy Kechiche se fait plaisir en nous imposant un concert de ventouse comme on en avait pas entendu depuis nos premières pelles maladroites.

Et le film commence.

Rapidement, on comprend que l’on est pas là pour la beauté du geste, la couleur des sentiments ou la richesse des cadres. On est là pour l’émotion, brutale, pure et ultra-violente. On est là pour l’amour. Pas celui du cinéma ou des poèmes à l’eau de rose, mais celui qui défonce l’estomac, qui empêche de dormir et qui fout le vertige.

Il suffit de quelques scènes pour que le procédé du réalisateur prenne tout son sens. Dés le mi-temps du film, on se fout pas mal des plan-serrés, de la bouffe ou du sexe. On est suspendu. Aux yeux d’Adèle, aux lèvres d’Emma, à leur amour, si réaliste, si juste, si incroyablement juste qu’on a l’impression de le vivre.

Dans le dernier tiers, on n’a plus conscience d’être assis dans une salle de cinéma. On est Adèle. On est amoureux, on respire à peine et il s’en est fallu de peu pour que je n’hurle pas dans la salle pour supplier Léa Seydoux de ne pas me quitter. Séparation. Retrouvailles. Tout le monde pleure et deux scènes font leur entrée dans l’histoire du cinéma.

Puis le film s’arrête là. Sublime. Au milieu d’une tornade. Et on est bien incapable d’expliquer où sont passés les trois heures qu’il était censé durer. Je ne sais toujours pas d’ailleurs. Rien que d’y penser, j’ai mal au bide.

En Bref : Il faut aller voir La vie d’Adèle. Parce qu’il y a peu d’oeuvres d’art qui peuvent se vanter de faire ressentir l’amour fou avec autant de puissance. Parce qu’Adèle Exarchopoulos méritait aussi le prix d’interprétation féminine et tous les Oscar du monde. Parce que s’il y a de la beauté quelque part dans le monde, elle est pile au milieu de l’amour et de la violence. Un plan fixe que Kechiche filme pendant trois heures, avec une sensibilité à faire chialer des aurores boréales.

La vie d’Adèle est la preuve que le septième art est plus fort que les autres. La vie d’Adèle rappelle que le terme de chef d’oeuvre n’est pas une simple coquetterie de journaliste. La vie d’Adèle fait partie des plus beaux films qu’il m’ait été donné de voir.

Et putain, j’en ai vu.

Northwest. Chasseurs de fantôme.

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Faut-il aller voir Northwest ?

Casper n’est pas transparent. Juste un peu terne. Un peu violent aussi. Parce que c’est comme ça. Il habite à Nordvest, la banlieue chaude de Copenhague. Il est cambrioleur. Et il aimerait bien qu’on arrête de lui courir après.

Dans le fond, c’est l’histoire la plus vieille du cinéma : celle d’un petit voyou avec une belle âme qui fait des belles conneries avec une petite arme, au risque de se faire avaler par la spirale qui lui permettait de s’en sortir. C’est l’histoire des mecs damnés, que le destin ramène violemment au sol quand ils tentent de s’élever.

Sauf que Copenhague n’est pas Los Angeles et Michael Noer n’est pas Martin Scorsese. Il est meilleur. Ici, les bad boys ne traînent pas leur flegme placide dans des pompes en cuir. Ils ne font pas de vannes. Ils ne sont pas cools. Ils ont le crâne rasé, le coeur pur et le regard froid.

Celui de Gustav Dyekjaer Giese porte le film. On ne sait pas s’il deviendra un grand acteur. Mais son interprétation de la peur et de la violence sourde permet au film de clouer au siège sans effets spéciaux. Et l’air de rien, de s’élever bien au-dessus du niveau habituel des polars.

Tout est glacé, dur, à l’os. Et le film parvient malgré tout à prendre aux tripes. Dans son dernier tiers, il monte en puissance pour devenir fascinant et se clore dans un final qui laisse la mâchoire de travers. Le tout sans jamais perdre son réalisme exigeant, et une forme presque invisible de tendresse pour ses personnages.

Après, n’allez pas croire que j’ai de l’affection pour les fils de pute qui m’ont cambriolé deux fois. Juste un peu d’empathie peut-être.

En Bref : Il faut aller voir Northwest. C’est intense, juste et bien plus prenant que la moyenne des thrillers. Personne ne pleure, l’émotion ne prend pas à la gorge mais on prend suffisamment de coups de genoux dans les côtes pour ne pas en redemander.

Entre La ChasseHijacking, Revenge et Royal Affair le Danemark commence vraiment à clignoter sur la carte européenne du cinéma.

Kick-Ass 2. Latte show.

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Faut-il aller voir Kick-Ass 2 ?

Fioulala je suis sous l’eau. Plein de films en retard, et plus les jours passent, moins je me rappelle de ce que j’ai vu. Mais pour Kick-Ass 2, c’est pire : j’avais déjà du mal à m’en rappeler en sortant de la salle.

Le premier Kick-Ass était cool. Sans trop se prendre la tête, le film répondait à notre vieux rêve de môme : que se passerait-il si un mec normal décidait de devenir un super-héros pour de vrai ?

Le problème, c’est que la réponse ne fait pas rêver : dans la vrai vie, un mec en pyjama qui va combattre le crime avec une matraque passe le plus clair de son temps à se faire casser les dents. Mais comme c’était déjà le sujet du premier épisode, ce deuxième innove, en suivant les grandes lignes d’une bande-dessinée qui, elle-même, commence à battre de l’aile.

Donc Kick-Ass n’est plus un gros loser. Il commence lui aussi à mettre quelques mandales, et forme une team avec d’autres super-héros de la lose. Ensemble, ils vont monter une vraie ligue de justicier. Et c’est là que le bât’man : le réalisateur et ses scénaristes n’ont rien à dire sur le sujet.

Je ne sais pas vous, mais une bande de mecs armés qui se promènent dans les rues pour faire justice eux-même, je ne trouve pas ça très héroïque. C’est pourtant le moment que choisit le film pour perdre toute l’ironie qui faisait son sel. On ne vanne plus les super-héros moisis, mais on vanterait presque leur combat contre le mal. Pour les asperger d’eau bénite, on transforme le chef en ancien mafieux born again et les vilains en affreux violeurs proxénètes.

Du coup c’est pas grave si le chien leur mord les couilles. Et les voleurs on pourrait leur couper la main aussi.

Et puis le film perd complètement les pédales, le sens de l’histoire et le rythme du montage. La violence explose dans tous les sens, l’humour se mélange à l’horreur et la mise en scène régresse jusqu’au grand combat final. Et on finit franchement par s’en foutre et par rentrer chez soi, écrire une critique pas bien ficelée, sur son blog de merde.

En Bref : Il ne faut pas aller voir Kick-Ass 2. Le film est perdu entre l’ironie et le premier degré, entre l’humour et le patriotisme et se débrouille pour noyer une licence plutôt sympathique dans le grotesque et la dilettante.

Dommage, car le réalisateur semble pourtant avoir compris le seul véritable intérêt du comic : Hit-Girl. Un personnage féminin atypique, complexe et ultra-charismatique. Dans ce rôle difficile, la jeune Chloe Moretz réussit au moins à donner de l’intérêt au film, tout en nous prouvant tranquillement qu’elle est la future actrice que tout Hollywood va s’arracher dans deux ans.

Only God Forgives. Pas de taille.

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Faut-il aller voir Only God Forgives ?

Attention, je vais peut-être légèrement spoiler dans cette critique. Si tant est que l’on puisse parler de spoil dans un scénario sans surprise. En revanche, je compte bien gâcher le film à ceux qui l’ont aimé.

Hihi.

J’ai menti dans le paragraphe précédent : j’ai dit “scénario”. Il fallait comprendre “mes couilles”. L’histoire d’Only God Forgives tient sur un petit post-it : “Toutes les femmes sont des putes, dans lesquelles les hommes cherchent une mère, la violence c’est délire, mets ton doigt dans ma bouche”.

Tout ça n’empêche pas un journal qui pense de voir une “distance documentaire” dans “un film labyrinthique terriblement intelligent” avant de conclure que Gosling est “le plus grand acteur de tous les temps de la galaxie du monde”, ce qui prouve qu’on peut bosser pour Libération en ayant un QI inférieur à son âge.

En fait, comme l’insupportable Drive, ce film divise les cinéphiles en deux catégories : ceux qui pensent que le cinéma est une association entre de la musique et des couleurs, et les autres. Les amateurs d’histoires, de propos ou d’émotions quelconques font partie des autres.

Film vide donc, mais joli film. Les lumières sont stylées, les plans sont symétriques et il arrive même que cet esthétisme confère une forme de poésie à l’ensemble. Si tant est que l’on puisse en trouver dans le meurtre et la prostitution des mineures.

De la poésie, nos amis les critiques en ont trouvé aussi dans la dialectique mollement freudienne du dernier tiers, où l’on voit Gosling découper le ventre de sa mère pour y plonger la main. Il est vrai qu’elle vient de décréter qu’il avait une “plus petite bite” que son frère.

Je crois que c’est à peu près à ce moment là que mon cerveau s’est éteint.

En Bref : Il ne faut pas aller voir Only God Forgives. C’est très con, très vain, très rien. Ça fera bander les chef op, les hipsters et les nostalgiques des Khmers rouges.

Mais si vous pensez que c’est du cinéma, passez plutôt votre soirée devant les clips d’MTV. Il y a plus de propos dans les phases de La Fouine que dans les films de Refn.

En ce qui concerne l’intelligence, ça se vaut.